La exposición abarca la primera parte de la carrera de Queen

La exposición abarca la primera parte de la carrera de Queen, desde antes de su formación en 1971, cuando varios miembros soñaban con el éxito mientras estudiaban astrofísica o tenían puestos cerca de la tienda Biba en el Kensington Market, hasta su espectacular concierto para 250.000 fans en el Hyde Park en 1976.

"Stormtroopers In Stilettos" promete ser uno de los mayores eventos del calendario cultural de Londres en 2011, pues ofrece una genuina visión de lo que supone ser una banda de rock de éxito, llevando a sus visitantes al corazón de Queen al combinar un entorno único audiovisual interactivo con memorabilia histórica nunca antes vista, habitaciones temáticas y música aportada del archivo personal de la banda.

Las habitaciones temáticas de la exposición incluyen una para cada uno de los cinco primeros álbumes: "Queen", "Queen II", "Sheer Heart Attack", "A Night At The Opera" y "A Day At The Races".

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Queen celebran su 40 aniversario con la exposición "Stormtroopers In Stilettos"

Stormtroopers In Stilettos" es la primera gran exposición de Queen y se aloja en un almacén del corta
 azón del East End londinense, en el Old Truman Brewery de Brick Lane

El 40 aniversario de Queen se inicia con gran estilo con la inauguración de "Stormtroopers In Stilettos: Queen, The Early Years", una gran retrospectiva que celebra la formación del grupo y los primeros cinco álbumes de una de las bandas más glamourosas, excitantes e influyentes de la historia global de la música.

Se inaugura el próximo 25 de febrero y podrá visitarse hasta el 12 de marzo.

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el nuevo álbum de Brit

La cantante, que cumplía 29 años el pasado jueves 2 de diciembre, anunciaba vía Twitter nuevo disco para marzo: "Mi álbum está casi terminado y saldrá en marzo. Estoy enamorada de él". Y según el portal ONTD, el nuevo álbum de Brit se titula "True Voice, True Me" ('Verdadera voz, verdadera yo'). Tendremos que esperar una confirmación oficial.

Mientras ella trabaja en su nuevo disco, de nuevo la sombra de su ex marido la persigue. Jason Alexander afirmó hace poco que tiene una conversación grabada en la que Britney le confiesa que su actual pareja la maltrata y que vive una situación muy difícil. De hecho, su ex dejó entrever que había estado embarazada de Trawick, pero que por culpa de una paliza que le propinó éste perdió el bebé.

Días más tarde su representante declaraba que todo lo que había publicado el ex de Britney y los medios era completamente falso y que su actual pareja jamás le ha pegado. Ella también se manifestó asegurando que todo era una calumnia y que podían "besar su culo blanco del sur de Luisiana".

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Spears

Según se anunció recientemente, Spears ha trabajado en el que será su séptimo disco de estudio con el productor Dr.Luke, responsable del sonido final de canciones como 'Tik Tok' de Ke$ha o algunos de los mayores éxitos de Katy Perry, 'I Kissed a Girl', 'Hot'N Cold' y 'California Gurls'.

El nuevo disco de Spears, cuyo nombre aún no ha sido anunciado, sucede al recopilatorio 'The Singles Collection' (2009), en el que se incluía el corte inédito '3', y a su sexto álbum de estudio, 'Circus' (2008), en el que mostraba una imagen más recuperada tras un periodo de crisis personal.  el tiempo

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Britney anuncia nuevo disco

Britney Spears ha anunciado hoy a través de su cuenta personal en Twitter que su nuevo disco, en cuya producción se encuentra inmersa actualmente, se publicará el próximo mes de marzo. 

"Mi nuevo álbum está casi listo y saldrá en marzo. ¡Y estoy enamorada de él!" ha escrito la llamada princesa del pop en la cuenta que tiene registrada y autentificada en la popular red de mensajes cortos por internet, twitter.com/britneyspears.  el tiempo

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Slash en Bogotá

El Coliseo Cubierto El Campín es, hasta el momento, el lugar donde el artista, quien lideró a finales del siglo XX junto al cantante Axel Rose el grupo Guns N'Roses, ofrecerá este único concierto.

Slash, cuyo nombre real es Saul Hudson, traerá temas de Velvet Revolver y Guns N' Roses para sus seguidores. El rockero, de 44 años quien actuará por vez primera en Colombia, llegó a la cima de la fama por su sorprendente trabajo como guitarrista dentro de estas bandas, pero ahora él es la única estrella del escenario. el teimpo

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Bo Carter

Armenter "Bo Carter" Chatmon (21 de marzo de 1893, Misisipi - 21 de septiembre de 1964, Memphis, Tennessee) fue un famoso músico de blues. Fue miembro del grupo 'Mississippi Sheiks', realizando con el mismo actuaciones en directo y algunas grabaciones. Carter llegó a ser el líder de este grupo, el cual incluía a su hermano Lonnie Chatmon ('fiddle') y, ocasionalmente, Sam Chatmon (bajo) y Walter Vincson (voces y guitarra).
Desde la década de 1960, Carter fue más conocido por sus grabaciones de temática erótica como "Banana in Your Fruit Basket", "Pin in Your Cushion", "Your Biscuits Are Big Enough for Me" y "My Pencil Won't Write No More"; sin embargo, sus composiciones musicales no trataban únicamente de esta temática. En 1928 Carter grabó la versión original del tema "Corrine Corrina" el cual se convertiría posteriormente en un éxito de Big Joe Turner siendo versionado más adelante en varios estilos musicales. wikipedia

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Legado de carr

A pesar de su corta trayectoria en los estudios de grabación, debido a su muerte, Carr dejó un amplio trabajo relacionado con las grabaciones de blues. Las colaboraciones que realizó con el guitarrista Blackwell combinaron su piano ligero de blues con una guitarra de jazz melódica que atrajo a la sofisticada audiencia urbana negra. Su estilo vocal trasladó el canto del blues hacia una sofisticación urbana e influenció a cantantes como T-Bone Walker, Charles Brown, Amos Milburn, Jimmy Witherspoon y Ray Charles.^[1] Así mismo, Count Basie y Jimmy Rushing utilizaron algunas de las canciones de Carr.^[3]
Las canciones de Leroy Carr han sido versionadas por artistas famosos como Eric Clapton, Big Bill Broonzy y Memphis Slim. wikipedia

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Trayectoria de Carr

Carr nació en Nashville (Tennessee) en 1905 y creció en el área negra de Indianápolis (Indiana). Colaboró con el guitarrista de jazz Scrapper Blackwell, aportando esta colaboración una influencia urbana distintiva de las voces y guitarras rítmicas de acompañamiento de los músicos blues del Misisipi; Carr fue uno de los primeros músicos blues del norte de los Estados Unidos de importancia. La compañía discográfica Vocalion Records le grabó en 1928, siendo un éxito inmediato su primera canción "How Long, How Long Blues"; así mismo, en esta canción aparecieron innovaciones como el acompañamiento sofisticado de piano y guitarra. La música experimentó una transición del guitarrista solitario en los campos al espectáculo y entretenimiento de los clubes nocturnos.^[2]
El éxito de su primera canción propició que se realizaran más grabaciones con la misma discográfica. A pesar de la depresión de la década de 1930, la cual ralentizó el negocio de las grabaciones de discos, el éxito de Carr se mantuvo, llegando a tener en 1934 varias de sus canciones en los primeros puestos de las listas. Su repentina muerte en 1935, a los 30 años, estúvo rodeada de rumores y misterio; a día de hoy, la mayoría de los historiadores creen que falleció por una inflamación de riñón como consecuencia de su alcoholismo. wikipedia


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La vida de Francisco Tárrega

Se instaló en 1885 en Barcelona, y allí murió el 15 de diciembre de 1909.
Aparte de sus obras originales para guitarra que incluyen Recuerdos de la Alhambra, Capricho árabe y Danza mora, arregló piezas de otros para este instrumento, tales como algunas de Beethoven, Chopin y Mendelssohn.
Como otros de sus contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, por ejemplo, Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en música clásica con los elementos populares españoles. El conocido guitarrista contemporáneo Angelo Gilardino ha escrito que los 9 Preludios de Tárrega son "... el más profundo pensamiento musical de Tárrega de forma concentrada".
Se considera que Tárrega ha creado los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital. wikipedia

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biografia

Durante el invierno de 1880, Tárrega sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo.
En 1881 después de un concierto en Lyon, llegó a París donde conoció a los personajes más importantes de la época. Actuó en varios teatros, siendo invitado a tocar para la Reina de España, Isabel II. Tras tocar en Londres, volvió a Novelda para contraer matrimonio con su prometida María Rizo.
Realizó frecuentes giras: Perpiñán (Francia), Cádiz (España), Niza (Francia), Mallorca (España), París, Valencia, y más. En Valencia conoció a Conxa Martínez, rica viuda que lo toma bajo su protección artística, prestándole a él y su familia una casa en Barcelona. Allí es donde Tárrega compuso la mayoría de sus más famosas obras.
De vuelta de un viaje a Granada escribió el trémolo "Recuerdos de la Alhambra", y estando en Argelia le llegó la inspiración para componer "Danza Mora". Allí conoció al compositor Saint-Saëns y más tarde, en Sevilla, escribió la mayoría de sus "Estudios", dedicando a su querido amigo y compositor Bretón la bella composición "Capricho Árabe". wikipedia

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Francisco Tárrega

Francesc d'Assís Tàrrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852 – Barcelona, 15 de diciembre de 1909) fue un compositor y guitarrista español.
Un accidente marcó su infancia, cuando al parecer cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que lo cuidaba, quedándole la vista dañada. Su padre, pensando que podría perder completamente la vista, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico.
Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, lo conocían como el “Sarasate de la guitarra”. En 1880 dio recitales en París y Londres. wikipedia

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Difusión del hip hop dentro de Estados Unidos

A finales de los 70, el Hip hop era fundamentalmente conocido en las mayores ciudades del país, desarrollándose en numerosas regiones estilos y variantes. Fuera de Nueva Jersey, Filadelfia y Nueva York, ésta última cuna del género, el Hip hop vio una intensa diversificación regional.
La primera grabación de Hip hop en Chicago fue el tema "Groovy Ghost Show" de Casper, publicado en 1980, mientras con Caution y Plee Fresh comenzaba a sonar un sonido muy distinguido allá por 1982. Esta ciudad también vivió el desarrollo de la música House a comienzos de 1980, que pronto comenzó a mezclarse con Rap, dando lugar al Hip house, para así ganar más popularidad en la franja que va de finales de 80 a principios de 90 con artistas como Tyree, Fast Eddie y los europeos Technotronic (Bélgica) y Snap (Alemania)]].
Para la Costa Oeste, el rapero hardcore de Los Ángeles, Ice-T, y el artista Electro hop, Egyptian Lover, comenzaron a grabar en 1983, aunque el honor de la primera grabación corresponde a Disco Daddy & Captain Rapp con "Gigolo Rapp" en 1981. En Miami, pegaba fuerte el Miami bass, una forma sensual de Dance, que surgió del electro de Los Ángeles electro. El estilo, normalmente, incluye rapeo, que catapultó a los 2 Live Crew polémicamente famosos por sus obscenas letras y performance. En Washington D.C. también emergió una forma de Dance influido por el Hip hop llamado Go go, que incorporaba percusión latina como timbales y cuyos principales exponentes fueron Trouble Funk. wikipedia

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Electro

En 1982 Afrika Bambaataa publica "Planet Rock", fusión de la tradición funk y del sondo P-Funk con el sonido europeo que de los pioneros del sintetizador. Basado en una adaptación del tema "Trans-Europe Express" del grupo alemán Kraftwerk, "Planet Rock" inspiró a innumerables grupos fascinados con la imaginería electrónica en la era de los juegos Arcade y da el pistoletazo de salida para el género conocido como electrofunk o simplemente electro
Residentes en Nueva Jersey, Nueva York y Detroit, entre otros lugares, crean Dance electrónico, muy influido por el Techno y el House, también por el Hip hop latino (Expose y The Cover Girls), además de artistas Electro hop residentes en Los Ángeles como World Class Wreckin' Cru (donde dio sus primeros pasos Dr. Dre) y Egyptian Lover. La escena de la música Electro florece, especialmiente, en el norte de Inglaterra, en la zona centro y sur de Londres. wikipedia

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Paises de hip hop

Al igual que México, Colombia, Ecuador, Perú, Chile, República Dominicana y El Salvador se han involucrado en el hip hop, Vico C, Tempo, Akwid, Gotas de Rap, PQLCrew, La Etnnia, Temperamento, Antar MC, Boca Floja, Mexicano 777, Tres Coronas, Reychesta, Violadores del Verso, CPV, 995, 7 Notas 7 Colores, SFDK, Solo los Solo, Hache St, Kilos de Rap, Tiro de gracia, Makiza, Rezonancia, Crooked Stilo, Rapper School, Radikal People, Callao Cartel, Paria, Siente Mc, Voces Ocultas, Pedro mo, RQ Crew, Cartel de Santa, Movimiento Original, Lápiz Conciente, Toxic Crow, Joa, Poeta Callejero y otros más representan al hip hop en español ya desde algún tiempo. wikipedia

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El sonido inspirado en el indie

El sonido inspirado en el indie, ya no pasaba de ser una formula para vender discos para la industria. Sin embargo la escena alternativa del Reino Unido se vería revitalizada y es así como en el siglo XXI surgen nuevas bandas que revivirían el concepto original del indie. El lanzamiento de Radiohead de su álbum OK Computer y el sonido de bandas como Travis, My Bloody Valentine o The Stone Roses, inspirarían a bandas como Coldplay y Muse, que liderarían con Radiohead la escena británica en solitario durante varios años. Sin embargo seria The Libertines la banda que regresaría el indie a su origen simple y rudo. Entre 2001 y 2004 serían una banda de culto por parte de la prensa y el público lanzando dos álbumes, hasta que la banda se disuelve por los problemas de su líder Pete Doherty con las drogas. Aun así dejaron abierto el camino para dos bandas que consolidarían este concepto: Arctic Monkeys y Franz Ferdinand, al igual que otras bandas como Kasabian, Maximo Park o Bloc Party, estos últimos con un mayor uso de la electrónica en sus álbumes. wikipedia

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La escena musical estadounidense a comienzos del siglo XX

Al inicio del siglo XX la sociedad estadounidense había comenzado a despojarse de la opresiva y rígida formalidad que había caracterizado a la era victoriana.
Desde el siglo XIX, con las canciones de comedia y 'trovadores' (los "minstrel shows") o las melodías de Stephen Foster, la influencia de las tradiciones musicales afroamericanas aparecía como parte integrante de la música popular estadounidense y lo hizo así durante generaciones.
Los clubes, las salas de baile y los cafés (‘tea rooms’) comenzaron a aparecer en todas las ciudades. Curiosamente los bailes llamados negros, que se inspiraban en movimientos africanos –como el ‘shimmy’, el ‘turkey trot’, el ‘chicken scratch’, el ‘monkey glide’, y el ‘bunny hug’- fueron adoptados por un público blanco. El ‘cake walk’, desarrollado por esclavos como parodia de los bailes formales de sus amos, se convirtió en el último grito. El público blanco aprendía estos bailes viéndolos primero en programas de vodevil y observando luego a bailarines profesionales en los clubes.
En aquellos tiempos la música de baile popular no era el jazz aunque se encontraban ya formas precursoras, por ejemplo en la experimentación e innovación musical del blues o el ragtime, que pronto florecerían como jazz. Compositores neoyorquinos (los conocidos como el grupo de la ‘Tin Pan Alley’, entre ellos Irving Berlin), incorporaron la influencia del ragtime a sus composiciones aunque apenas utilizaban los mecanismos específicos que eran naturales a los artistas del jazz –los ritmos, las blue notes. Pocas cosas consiguieron más para hacer popular este tipo de música que el éxito de Berlín de 1911 llamado "Alexander's Ragtime Band", que se convirtió en una auténtica locura tanto en los Estados Unidos como en Europa (especialmente en Viena). Aunque la canción no estaba escrita como un ragtime, la letra describe a un grupo de jazz que convertía canciones populares a ritmos de jazz –como en la línea donde dice: "si quieres oír el ‘Swanee River’ tocado en ragtime…" wikipedia

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el jazz a finales de los 60

A fines de los años 1960 y comienzos de los años 1970, el jazz se mezcló con el rock para dar lugar a agrupaciones como Soft Machine, Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Return to Forever, bandas integradas por muchos de los músicos que habían participado del disco Bitches Brew de Miles Davis (o que habían sido inspirados por aquel álbum), representantes de un estilo llamado fusión o Jazz Rock. Ellos son: Robert Wyatt, John McLaughlin, Chick Corea, Herbie Hancock, Dave Holland, Wayne Shorter, Ron Carter, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, Billy Cobham, Lenny White. Si bien la moda del jazz-rock pasó, estos músicos desarrollaron -con algunos altibajos- carreras interesantes. Desde esa década -y hasta el presente-, aparecieron otros nombres: Jaco Pastorius -muerto trágicamente en 1987, víctima de un custodio de un bar-, Michael Brecker y su hermano Randy Brecker, Pat Metheny, Bill Frisell, Mike Stern, David Fiuczynski, Esbjörn Svensson Trio, etc. The "new wave": wikipedia

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El cool o West Coast jazz

El cool o West Coast jazz, y el hardbop (1951-1969) convivieron durante este período en una pugna por la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa Oeste de Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck, Paul Desmond y otros músicos generalmente blancos le daban al jazz una impronta estilísticamente más culta, y presuntamente más funcional, en la Costa Este surgió con enorme fuerza alrededor del batería, Art Blakey, Horace Silver y los Jazz Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no dudaron en considerarlo no sólo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz, sino como legitimo heredero del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o free jazz. Ornette Coleman fue acusado por los puristas de asesinar al jazz, pero cuando Miles Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras musicales eléctricas, las críticas no sólo terminaron, sino que se volvieron alabanzas. John Coltrane, quien formó parte de algunas formaciones lideradas por Davis, es otro de los músicos insoslayables de este lenguaje musical. wikipedia

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el principio del mariachi

El mariachi con trompetas deriva del mariachi tradicional sin trompetas de principios del siglo XIX.

Mariachi en Guadalajara, Jalisco.

El diccionario de mexicanismos de la Academia Mexicana de la Lengua recoge para mariachi. (Quizá de origen coca.) 1. Grupo de músicos, cuyos integrantes visten a la usanza charra. 2. Cada uno de los músicos de ese grupo[1]. Mientras que el Diccionario de la Real Academia Española (DRAE) presenta mariachi o mariachis para los grupos de orquesta popular mexicana que interpreta esta música o bien a la música y baile populares mexicanos procedentes del estado mexicano de Jalisco o bien los miembros de esa agrupación musical o el conjunto instrumental que acompaña a los cantantes de ciertas danzas y aires populares mexicanos[2].
El mariachi original estaba integrado sólo por instrumentos de cuerda como son violines y guitarras, y dos intrumentos particulares: la vihuela, más aguda que la guitarra, y el otro más grave, el guitarrón, además del arpa. Con el tiempo se integraron además las trompetas que le añaden su peculiar estilo y fuerza.
El texto de una conocida canción dice: "De Cocula es el Mariachi, de Tecalitlán los sones"; sin embargo aún se debate sobre el origen de estos conjuntos musicales porque el mariachi se asocia a la región llamada Los Altos, al norte del estado de Jalisco, y Cocula no pertenece específicamente a esta región, pero se ubica muy cerca. Teocaltiche, Jalisco también presume de ser el origen del mariachi, ya que este si está en la región de Los Altos. Aunque Cocula es más famoso por el origen del mariachi, es más probable que el mariachi sea originario de Teocaltiche. wikipedia

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la musica en el cine mexicano

• El cine mexicano de los años cuarenta dio a conocer internacionalmente al mariachi por medio de las películas protagonizadas por Tito Guízar que fueron las primeras en mostrarse con éxito en Estados Unidos y por Jorge Negrete en América Latina y Europa. El Mariachi era un elemento imprescindible en las películas protragonizadas por Miguel Aceves Mejía, Pedro Infante y Luis Aguilar, entre otros, que gozaron de gran aceptación en América Latina y en otras regiones del mundo.

• Los primeros mariachis femeniles aparecieron en la Ciudad de México a mediados del siglo XX, actualmente se conocen diversas agrupaciones de Mariachi Femenil.

• En el Distrito Federal la Plaza de Garibaldi, ubicada en el centro histórico, es por antonomasia es el foro más importante de mariachis en la Ciudad de México. Allí se puede contratar a grupos que tocan piezas por un monto económico.

• En la ciudad de Guadalajara, capital del Estado donde surgió el mariachi, cada año tiene lugar el Encuentro Internacional del Mariachi y la Charrería, este evento está dividido en dos aspectos: a) el deportivo, con encuentros y competiciones de charros y b) el musical con conciertos y presentaciones de grupos de mariachis. Cada año, llegan conjuntos de mariachi de países como Serbia, Finlandia, Colombia, España y Japón, además de los que se presentan agrupaciones de toda América Latina. Además de concursos y conciertos, se imparten talleres y clínicas que han ayudado a los grupos fuera de México a mejorar su vestimenta y sobre todo su estilo y técnica interpretativa. wikipedia

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Los primeros conjuntos de mariachi

• Los primeros conjuntos de mariachi vistieron atuendos cotidianos de los campesinos de los estados de Colima, Nayarit y Jalisco. Sus atavíos eran hechos de manta de algodón y usaban un sombrero de paja de trigo o de palma. A principios del siglo XX, tal como venían haciendo los integrantes de las orquestas típicas, los mariachis comenzaron a presentarse con el traje de charro, añadiendo colores y ornamentos distintos a los originales del traje charro.

• Los grupos actuales de mariachi visten generalmente de negro o blanco. De acuerdo al reglamento de la charrería, el traje del Charro (jinete hacendado ó caporal) es de color negro solamente para ceremonias tales como bodas o funerales, pero elcolor blanco no se contempla. Sin embargo, entre mariachis y bailarines se usa cualquier color y combinación así como ornamentos distintos a los usados por los practicantes de la charrería. Estas vestimentas se adornan con calados de gamuza y/ o con botonaduras, que pueden ser de metal troquelado, ya sea fabricado en serie o de manera artesanal, en plata o acero vaciado. Los sombreros de charro y de mariachi son piezas de artesanía exquisita que no tienen parecido con los que se venden en las tiendas de recuerdos para turistas. wikipedia

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Caracteristicas del mariachi

• El mariachi, es un grupo musical conformado generalmente por un número entre 7 a 12 integrantes pero no existe un límite para el máximo. Los instrumentos indispensables son la vihuela, guitarra, guitarrón, violines y trompetas, aunque en ocasiones se le añaden flauta y arpa, y en el extranjero incluso el acordeón.

• Interpretaban originalmente sones de Jalisco y del occidente de México pero desde la década de 1930 incluyeron en su repertorio rancheras, corridos, huapangos, sones jarochos y valses mexicanos es decir música tradicional y regional mexicana. Posteriormente se adaptó el bolero constituyendo el Bolero Ranchero y en la actualidad interpretan éxitos de cantantes de moda y en ocasiones hasta baladas y cumbias, ya fuera totalmente del contexto musical vernáculo. wikipedia

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Características de canto cardence

Las canciones son interpretadas a tres voces (primera, de arrastre o marrana y contralta) a capella. Pueden incluir otras dos voces, que son la quinta y la arrequinta, ambas superiores a la primera. El legado musical cardenche ha sido transmitido de generación y generación desde los años treinta, aproximadamente. Actualmente este género está en peligro de perderse. En su zona es conocido también como canto de basurero o "canciones de basura", de borrachitos, laboreñas o de cerca, dado que es costumbre de los campesinos improvisar estas canciones al término de su jornada laboral acompañado de la bebida alcohólica local, llamada sotol y a quienes ellos se refierne como "la pastillita" pues la beben antes de cantar argumentando que les abre la garganta.
Existe una variante emparentada con el corrido, llamada tragedia o corrido acardenchado que igualmente es interpretado sin acompañamiento instrumental.
En México, Lila Downs grabó la canción cardenche "Yo ya me voy". También ha sido retomado por el músico Juan Pablo Villa. wikipedia

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Canto cardenche

Género de la música popular mexicana basado en la composición e interpretación de canciones únicamente interpretadas con la voz, sin instrumentos musicales a manera apoyo rítmico-armónico como sucede con casi todo el resto de la música popular mexicana. Se realiza por campesinos de las poblaciones de Sapioriz, Durango y La Flor de Jimulco, Coahuila, en la Comarca Lagunera aunque parece que el único lugar donde se conserva viva la tradición es Sapioriz. Su nombre proviene de una cactácea que al penetrar en la piel es muy dolorosa y que lastima mucho más al intentar extraerla por tener filamentos pequeños que se abren al sacarla; la metáfora se debe a que las canciones cardenches son compuestas e interpretadas con dramatismo y están llenas de melancolía y se refieren mucho a la temática del "mal de amores". wikipedia

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La llamada «resurrección»

La llamada «resurrección» realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Carlos Cuevas, Edith Márquez o Mijares^{[cita requerida]} y el surgimiento de Rodrigo de la Cadena el mejor bolerista de hoy en día en México^{[cita requerida]}; si bien tiene méritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero^{[cita requerida]}.
Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular wikipedia

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Provincias de tradición chamamecera

Las provincias de tradición chamamecera son además de la provincia de Corrientes, la de Misiones, Entre Ríos, Santa Fe, Chaco, Formosa y la Santiago del Estero. También se realizan festivales de chamamé en algunas localidades de la provincia de Buenos Aires, más precisamente en la ciudad de San Nicolás de los Arroyos y en la ciudad de Ramallo donde se realiza el festival llamado Ramallo Porá. wikipedia


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Influencia del chamame

Naturalmente, los primeros en dar culto al chamamé en Argentina fueron quienes más contacto tuvieron con los colonos alemanes del Volga llegados al país, y que aportaron lo suyo para que el originario Chotis de esta comunidad derivara en el actual chamamé argentino. Sin embargo, la designación errónea de "rusos" que recibieron estos pobladores creó confusión acerca del origen de este genéro musical y su base fue coloquialmente denominada como polka rusa. Más tarde, muchos fueron los músicos que comenzaron a tocar este ritmo que tiene, según los estudiosos del folclore del nordeste argentino, dos tipos de "chamameceros": el "hacedor" y el "poeta".
El hacedor es aquel que compone la música con su letra y el poeta es quien escribe solamente las letras. De estos se desprenden grandes nombres que han hecho de la música chamamecera el arte de la serenidad por un lado y la energía por otro. wikipedia

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Olga Fernández Latour

La estudiosa Olga Fernández Latour de Botas, en un artículo aparecido en La Nación - Buenos Aires, 1979 - con el titulo Origen del chamamé, dice entre otras cosas: "...Pues bien, en la pág.59 de esta original publicación que arrecia la dura sátira contra el padrecito de la Santa Furia, se lee lo siguiente: "Y por qué diablos, siendo tan hombre mi pai Francisco ¿No tiró s.p por la carrera de las armas? ¡Qué arrogante soldado de brigada hubiera v.p. hecho en la real marina española! ¡Que se viniesen entonces v.r. con agachadas los contramaestres, guardianes, maestres de víveres, calafates y demás guapetones del rancho proa! Ya me parece que lo veo destripando a unos, cruzándoles a otros la cara, bailando un chamamé encima de la cabeza de alguno y echando sobre aquellas cubiertas de Dios por esa boquita que debía estar engarzada (más que sea en plomo derretido, digo si no le incomoda a v.p.) más serpientes, culebras y sapos que los que hay por esos chircales del mundo.(Esto ha sido entre paréntesis mi P. y perdonen el rampujen)"...Ésto fue publicado en Buenos Aires, el sábado 17 de febrero de 1821. Aún no había llegado la polka como música ni como baile. No se trata de referencias etnográficas, ni de un cuadro correntino, sino de una imitación del habla rural de los alrededores de Buenos Aires. Allí aparece el chamamé, y ya es un baile. wikipedia

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Jorge Cafrune

En 1964 Jorge Cafrune conoció por medio de Los Hermanos Albarracín una zamba compuesta por un empresario de la construcción mendocino, aficionado al folclore, y decidió incluirla en su segundo álbum. La canción era Zamba de mi esperanza, de Luis Profili, registrada con el seudónimo de Luis Morales, y se convertiría, con Merceditas, en el tema más popular de la música folclórica argentina, tanto nacional como internacionalmente.^[53]

Ariel Ramírez, probablemente el compositor más importante de la música folclórica argentina. Autor de la Misa Criolla, Mujeres Argentinas, Cantata Sudamericana, y canciones como Alfonsina y el mar, Juana Azurduy, Antiguos dueños de flechas, etc.

En 1965 se estrenó la película Cosquín, amor y folklore de Delfor María Beccaglia, con las actuaciones de Elsa Daniel y Atilio Marinelli y la interpretación de temas musicales por los principales artistas del folclore como Atahualpa Yupanqui, Los Chalchaleros, Los Fronterizos, Los Cantores de Quilla Huasi, Los Huanca Hua, Los Trovadores, Eduardo Falú, Ramona Galarza, Ariel Ramírez, El Chúcaro y Norma Viola, Los Cantores del Alba, El Chango Nieto, Jorge Cafrune, Los Arribeños, Los de Salta, etc.
Probablemente uno de los puntos más alto de esa etapa haya sido Canción con todos (1969), compuesta por César Isella y Armando Tejada Gómez y cantada por Mercedes Sosa, que se ha convertido virtualmente en el Himno de América Latina.^[95]
En este período también se produjeron intentos de vincular más estrechamente el folclore con otras manifestaciones de la música popular argentina y latinoamericana. Entre ellos se destacaron los intercambios con el llamado rock nacional, como los que realizaran la banda Arco Iris, liderada por Gustavo Santaolalla, especialmente en su álbum Sudamérica o el regreso a la Aurora (1972), Roque Narvaja (Chimango, 1975), León Gieco y Víctor Heredia. wikipedia

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Otros folcloristas destacados

Otros folcloristas destacados del período son el charanguista Jaime Torres, el quenista Uña Ramos, el percusionista Domingo Cura, Jorge Cafrune (El orejano, Virgen india), Carlos Di Fulvio (Guitarrero), Los del Suquía (De Alberdi), Los Visconti (Mama vieja), Los Manseros Santiagueños (Añoranzas), el bombista y cantante Chango Nieto (Zamba a Monteros), el Chango Rodríguez (Luna cautiva), Hernán Figueroa Reyes (El corralero de Sergio Sauvalle), Las Voces de Orán (Zamba del fuellista), Suma Paz, Los Carabajal (Un domingo santiagueño), Los Arroyeños (Que se vengan los chicos), Los Indios Tacunau, el músico argentino-paraguayo Oscar Cardozo Ocampo (Zamba del nuevo día), el Dúo Salteño (La pomeña), el intérprete de armónica Hugo Díaz, etc.
Entre los intérpretes de música sureña o surera, se destacaron José Larralde (Memoria para un hijo gaucho), Argentino Luna (Mire qué lindo es mi país paisano), Alberto Merlo (La Vuelta de Obligado), Roberto Rimoldi Fraga (Argentino hasta la muerte), Omar Moreno Palacios (Sencillito y de alpargatas), entre otros. En el canto patagónico se destacaron el poeta Marcelo Berbel (La Pasto Verde) y sus hijos, los Hermanos Berbel (Quimey Neuquén), mientras que en la música litoraleña apareció Cacho Saucedo (Sapukay de triunfo macho), María Helena (Canto islero), el acordeonista Raúl Barboza y Los Hermanos Cuesta (Juan de Gualeyán). wikipedia

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Movimiento del Nuevo Cancionero

Aunque muchos folcloristas no adhirieron estrictamente al Movimiento del Nuevo Cancionero, su impacto genérico renovó completamente la canción argentina, abriendo campo a lo que se denominara música popular argentina (MPA), un concepto creado con el fin de superar la antinomia folclore-tango o la oposición música tradicional-música moderna. El Movimiento del Nuevo Cancionero se proyectó también como movimiento musical latinoamericano, formando parte del Movimiento de la Nueva Canción.
Entre los muchos artistas que adhirieron expresamente al movimiento del Nuevo Cancionero se encuentran César Isella, Hamlet Lima Quintana (Zamba para no morir), Ramón Ayala (El mensú), Los Andariegos, Quinteto Tiempo (Quien te amaba ya se va), Las Voces Blancas (Pastor de nubes), Horacio Guarany (Si se calla el cantor, Si el vino viene), el dúo compositor del Cuchi Leguizamón y Manuel J. Castilla (Balderrama, La Pomeña), los Hermanos Núñez (Chacarera del 55), Ariel Petrocelli (Cuando tenga la tierra), Daniel Toro (Zamba para olvidarte), Chito Zeballos (Zamba de los mineros), etc.

Eduardo Lagos. Portada de su influyente álbum Así nos gusta (1969), manifiesto de la proyección folklórica.

Otra línea renovadora del folklore, denominada música de proyección folclórica, tuvo exponentes destacados, como el ya mencionado Waldo de los Ríos y Eduardo Lagos. Lagos, quien ya había expresado su visión renovadora en temas como la chacarera La oncena (1956), grabaría en 1969 el álbum Así nos gusta (1969), en el que también participa Astor Piazzolla, que influiría fuertemente en las nuevas tendencias musicales del folklore. Lagos, fue también el eje de una serie de reuniones de improvisación y experimentación folclórica informal en su casa, bautizadas humorísticamente por Hugo Díaz como folkloréishons, que a la manera de las jam sessions del jazz, solía reunír a Lagos, Piazzola y Díaz, con otros músicos como Domingo Cura, Oscar Cardozo Ocampo, Alfredo Remus y Oscar López Ruiz, entre otros. wikipedia

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Lengüetas dobles

Las cañas dobles o de doble lengüeta producen un sonido muy diferente de las cañas únicas, y que tienen un origen más popular, como corno inglés y algunos órganos.
Suelen hacerse a mano por el propio instrumentista y requieren grandes dosis de habilidad y tiempo. Es una tarea larga, tediosa y difícil, pero con la práctica es posible. Son tan importantes que tener o no una caña buena puede ser tan determinante como la calidad del instrumento. Los materiales que se emplean principalmente son: las palas de bambú u otro material similar, un tudel e hilo de nylon para atarlas. Se utilizan como las siguientes herramientas: una navaja para raspar la caña y conseguir la forma deseada; un tudelero, donde se sujeta la caña mientras se efectúa el raspado y, a veces, artilugios más sofisticados como la guillotina, un utensilio que hace un corte horizontal perfecto de la caña para disminuir su longitud. Hoy en día, la mayoría de instrumentistas de lengüeta simple compran cañas manufacturadas, aunque suelen retocarlas raspándolas un poco.
Entre instrumentistas de doble lengüeta, los músicos avanzados y profesionales suelen hacer sus propias cañas a mano, mientras que principiantes y estudiantes suelen comprarlas a sus profesoras o en tiendas. wikipedia

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Lengüetas simples

Las lengüetas o cañas simples son usadas en las boquillas de los clarinetes y los saxofones. Tienen un lado plano (el lado trasero) y un lado superior afilado. Son rectangulares en forma a excepto por la punta delgada que vibra, que es curva para adaptarse a la forma boquilla. Aunque todas las lengüetas simples tienen esta forma varían en el tamaño, debido a que deben encajar en la boquilla apropiada.
Para el mismo instrumento, diferentes lengüetas producen sonidos con efectos y estilos distintos. Las cañas varían en su resistencia que depende de muchos factores, como por ejemplo, el fabricante. La resistencia, o dureza de una caña afecta la articulación y la dificultad en producir un sonido lleno. Para medir la dureza de una caña se emplea generalmente una escala del 1 al 5, de la más suave a la más dura. Una buena caña produce un sonido ligero después de ser tocada por un rato mientras que cañas malas pueden producir un buen sonido inmediatamente y se desgastan deprisa. wikipedia


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lengüeta

Una lengüeta es una tira fina de un material que vibra produciendo un sonido en un instrumento musical. Las cañas de instrumentos de viento-madera se hacen del Arundo donax (caña común) o de materiales sintéticos; las lengüetas afinadas (como en armónicas y acordeones) se hacen del metal. Pueden ser simples o dobles, y en este caso vibran la una contra la otra. wikipedia

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